私が取り組んできた三つの異なるシリーズを通して、「時代を写し未来に残すこと」「技術の継承」「人間という存在のあり方」という普遍的かつ現代的なテーマを探求します。失われゆく伝統や人の営みの価値を問い直し、未来へ繋ぐ架け橋としての芸術の可能性を示したいと考えています。

■ 生き写し人体彫刻《時空を超える輝き》（2009年〜）

炎の試練を潜り抜けて焼き上げられる陶磁彫刻は、その過程で表面に刻まれたヒビや痕跡を纏い、より深みのある美しさを得ます。これらの「傷」は独自に調合する「貫入釉」で表されており、この釉薬のヒビ割れは試練を乗り越えた証として表現されています。その苦難の積み重ねが、強さと輝きを兼ね備えた本物の美しさへと昇華していくのです。「傷こそが美である」という言葉は、単なる見た目の美しさを超え、作品に刻まれた歴史と時間の痕跡を意味しています。私は学生時代に出会ったヘレニズム彫刻の、生き生きとした人体表現と迫力に深く感化されました。その感動がきっかけで人体彫刻を志すようになり、何千年も残る陶磁という素材に人間の「生きた証」を刻むことを目指しています。ヘレニズム彫刻が持つ時代を超えた魅力と精神性に倣い、私の作品も今ここにある生命の輝きを永遠のかたちとして刻み込みたいと考えています。

■ 器作品《魅せる器、繋ぐ技法》（2014年〜）

かつて美濃焼の製陶産業を支えながら、時代の流れとともに失われつつある伝統技法「ガバいこみ」。この器シリーズは、その技法を現代に蘇らせる試みです。ヨーロッパ家具や女性のシルエットをモチーフとしたフォルム。限界まで絞られた脚の上に大ぶりな碗をのせ、内側には重厚な金が焼き付けられています。美と実用の両立、そして「愛情と繁栄」をテーマにし、使う者の心を惹きつける存在感を持ちます。大量生産と効率化の中で忘れられた技術は、ただ保存するだけでは継承されません。人が「美しい」「欲しい」「触れてみたい」と感じることでこそ、技法は次代へとつながっていくのです。この作品を通して、鑑賞者が伝統技法の魅力に触れ、未来への継承を考えるきっかけとなれば幸いです。

■ 抽象彫刻《もののけ魂》（2018年〜）

ポリエステルやスチロールなどの人工的な廃材に、養鶏の羽や苔、陶磁を組み合わせて制作された本シリーズは、有機物と無機物、自然と人工、誕生と廃棄といった対極の要素を融合させることで、「もののけ」という境界線が曖昧な生命の魂を表現した抽象彫刻です。自然に属しながらも自然を破壊し、自らの欲望で無機物を生み出していく人間。その曖昧で矛盾に満ちた存在の本質を、他次元と現実世界の境界に浮かび上がるような生命的フォルムとして立ち上げています。DNAやアメーバ、幾何学構造を思わせる形態は、進化や循環、そして存在の不確かさを内包し、鑑賞者に美と憎悪、対立と調和の感情を呼び起こします。

三つのシリーズは異なる表現手法と素材を用いながらも、いずれも

「時代を写し未来に残せるか」「技術の継承は可能か」「人間は自然か、異物か」という問いを根底に持ちます。

それぞれの問いかけを通じて、過去と現在、そして未来をつなぐ創造の在り方を見つめ直すこと。それこそが、活動の核心です。

Through the three series I have been developing over many years, I explore universal yet contemporary themes: recording our era for the future, preserving traditional techniques, and questioning what it means to exist as a human being. My work seeks to reconsider the value of fading traditions and human endeavors, and to show how art can serve as a bridge that connects the present to the future.

**Life-size Ceramic Sculptures

“Radiance Beyond Time” (2009– )**

Ceramic sculptures endure the intense trials of fire, emerging with cracks and marks on their surfaces—traces that give them a deeper and more profound beauty. These “wounds,” created through a self-developed crackle glaze, symbolize evidence of surviving hardship. The accumulation of such trials transforms into a beauty that is both strong and radiant.

The phrase “beauty lies in the wounds” speaks not only of appearance but of the history and passage of time etched into the work.
As a student, I was deeply moved by the powerful realism and vitality of Hellenistic sculpture. That experience inspired me to pursue human figure sculpture and to carve the “living presence” of people into ceramic material that can survive for thousands of years.

Following the timeless spirit and emotional strength of Hellenistic works, I aim to capture the brilliance of life that exists right now and preserve it in a form that can live far beyond the present.

**Vessel Works

“Vessels to Behold, Techniques to Preserve” (2014– )**

The vessel series revives Gabai-komi, a traditional Mino technique that once supported the ceramic industry but is now on the verge of disappearing. The forms draw inspiration from European furniture and feminine silhouettes. A large bowl rests upon a sharply tapered foot, and the interior is finished with heavy, fired-on gold.

The theme is the harmony of beauty and function—and “love and prosperity.” The pieces carry an undeniable presence that draws the user in.

Techniques forgotten in the age of mass production and efficiency cannot be preserved through mere archival.
They continue only when people feel “This is beautiful. I want this. I want to touch this.”

Through these works, I hope viewers will rediscover the charm of traditional methods and think about what it means to pass such techniques on to the future.

**Abstract Sculptures

“Mononoke Spirit” (2018– )**

This series combines discarded industrial materials—such as polyester and styrofoam—with organic elements including poultry feathers, moss, and ceramic fragments. By merging opposites such as organic and inorganic, natural and artificial, birth and disposal, these works give form to the soul of mononoke: life that exists on the boundary, undefined and ambiguous.

Humans belong to nature, yet destroy it; they create inorganic matter through their own desires. I materialize the essence of this contradictory, ambiguous existence as a life-like form that emerges on the threshold between another dimension and our own world.

The shapes—evoking DNA, amoebas, or geometric structures—contain themes of evolution, circulation, and the uncertainty of existence, provoking emotions of beauty and hatred, conflict and harmony.

Across these three series—each using different materials and approaches—I pursue a single set of questions:

Can we record our era and leave it to the future?
Can traditional techniques truly be preserved?
Are human beings part of nature, or are we an anomaly within it?

Reflecting on these questions and exploring how creation can connect the past, present, and future—that is the core of my artistic practice.

東金聖(とうがね ひじり)
東京都生まれ。
2012年アカデミー・オブ・アート大学彫刻科卒業（サンフランシスコ）。

在学中、2010年「Spring Show」（サンフランシスコ）にてCeramic部門1位受賞。
同年、サンフランシスコ動物園にて公共アートを制作。
2012年「Oakwilde Ranch’s 5th Annual Spring Sculpture Show」（カリフォルニア）にてBest of Show受賞。
2013年「National Council on Education for the Ceramic Arts」（ヒューストン）、
2014年「Annual California Conference for the Advancement of Ceramic Art」（カリフォルニア）出展。
2018年「SHIBUYA STYLE Vo.12」（西武渋谷店 / 東京）、
2019年個展「REALIZATION」（西武渋谷店 / 東京）開催。
2022年　NHK WORLD NEWS「Modern Artist Makes Minoyaki for the 21st Century」にて特集放映。
2023年　個展「Endless Waltz」（深圳 / 中国）開催。
同年『VOGUE JAPAN』1月号「伝統と革新」特集掲載。
2024年　個展「はじめまして、東金聖です。」（京都蔦屋書店 / 京都）開催。

2025年　J-WAVE + FM COCOLO×京都芸術大学 特別番組「WHAT’S ART 2025」ゲスト出演。

同年『VOGUE JAPAN × Dior』特集「日本のサヴォワールフェールを未来へつなぐ担い手」に選出。

同年「刻む、継ぐ、揺らぐ」（GINZA SIX / 東京）出展。